Hay muchas formas de crear música para la danza. Como acompañante de Kendreka Circles, círculos de danza libre y movimiento creativo, comparto contigo los 3 principios que considero esenciales en mi práctica de acompañar círculos de danza en directo. Generalmente sólo utilizo mi voz y un looper (sin instrumentos, sin sintetizadores ni cajas de ritmos).
Estos principios proceden de mi propia experiencia, no me arriesgaría a atribuírselos a ningún músico en particular; tampoco diría que los he «inventado»: tras unos años de experiencia, simplemente se hicieron evidentes.
Simplicidad, el primer principio para acompañar a los bailarines
En primer lugar, la música para bailarines no tiene por qué ser tan compleja como la de escenario. Especialmente en lo que respecta a la relación con el tiempo, hay que dejar que los espacios se desarrollen sin intentar cambiar constantemente los patrones, ritmos y melodías. Los bailarines están en sus cuerpos, viviendo su experiencia interior, la música es sólo un apoyo. El papel de la música es más el de un director de orquesta en un concierto clásico. Sólo para orientar, pero la riqueza de expresión procede principalmente de los bailarines. Es perfectamente aceptable dejar correr un motivo, un bucle, durante 30 segundos, un minuto o incluso más. Si el bucle es pertinente, los bailarines no se aburrirán, ¡al contrario! Desarrollarán todo su universo creativo sobre una base estable y familiar. Esta observación me llevó a utilizar un dispositivo de looping (¡una Roland RC-505 Loopstation para ser exactos!). Esto me permite crear un bucle, dejarlo correr y disponer del espacio-tiempo necesario para hacerlo evolucionar en función de lo que les ocurra a los bailarines.
El ritmo, segundo principio de la música de baile
Es una obviedad que merece la pena ser subrayada: para la danza, la dimensión rítmica es, con mucho, la más importante. Tiene prioridad sobre la dimensión armónica y melódica. Por supuesto, siempre se busca armonizar estas tres dimensiones, para que ritmo, melodía y armonía converjan en la misma dirección. Pero el objetivo principal del músico o cantante que acompaña a los bailarines siempre será el ritmo (personalmente diría lo mismo de la música de escenario, pero ese es otro tema). Un buen patrón rítmico puede repetirse durante mucho tiempo y seguir siendo estimulante para los bailarines. Incluso un patrón melódico aislado (por ejemplo, la voz solista), si está pensado rítmicamente, puede conducir a la danza. Me gusta mucho crear melodías complejas, angulosas, a veces atonales o aleatorias. Si tengo cuidado de mantener un flujo constante y acentúo ciertas notas para crear un patrón rítmico repetitivo de fondo, la música sigue siendo accesible y estimulante para el bailarín.
Interacción, el tercer principio, o la alegría de jugar juntos…
Mi tercer principio a la hora de crear música en directo para bailarines es recordar que no estoy tocando para ellos, sino con ellos. Cada uno de sus gestos indica patrones de surco en los que me basaré para la creación. Suelo empezar con un ritmo corto sin arritmia: sólo sonidos elevados, un zumbido… Observo la dinámica del grupo y, sobre todo, los gestos del líder. Los movimientos surgen inevitablemente. Los sigo con patrones melódicos libres. Poco a poco, el intercambio se asienta, se estructura, me lleva a descubrir patrones rítmicos. Es como jugar al ping-pong con el bailarín, que responde a mis patrones rítmicos con otros movimientos, inspirándome otros ritmos. Hay un umbral en el que este ritmo se convierte en un bucle, que servirá de base durante un tiempo. Lo único que queda es construir un universo melódico y armónico sobre ese groove, hasta que sienta que es necesaria una evolución.
Nunca cambio el tempo (la velocidad de la canción) de un bucle en curso, me parece incoherente con el principio mismo del bucle y utiliza una tecnología poco «orgánica». En lugar de mover el tempo, toco con polirritmia: de una pieza en 4/4, puedo pasar a 2/2 para ralentizar, o a 8/8, 12/8 para acelerar. Si estoy bien despierto, me gusta montar polirritmias más intensas: 3 sobre 4 para ralentizar, o para acelerar, 5, 6 o 7 sobre 4, que sustituyen al 4 y crean una verdadera aceleración sin cambiar el tempo global del bucle: sigue durando lo mismo, pero se divide de otra manera. El efecto sobre la danza está garantizado.
Esperamos que estas ideas te inspiren para explorar más a fondo la interacción entre música y movimiento. No dudes en venir a explorar esto en un taller de Kendreka Circles.
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